Secondo appuntamento con gli aperitivi dedicati al mondo del fumetto, durante i quali sarà possibile acquistare libri illustrati a peso. Un’altra occasione per rifarsi la libreria ma anche per conoscere e vedere all’opera Giuseppe Palumbo, fumettista e illustratore di fama internazionale, al Posto per incontrare il pubblico e per rispondere alle tante curiosità, ma anche per autografare e personalizzare una selezione di tavole originali tratte dal volume Il Re del Terrore: il Remake della serie “Il Grande Diabolik” (pubblicato da Astorina), e dal fumetto Eternartemisia (pubblicato da Comma 22), reinterpretazione in chiave contemporanea del mito di Artemisia, realizzato per la mostra “Caterina e Maria de’ Medici: donne al potere”, allestita nel 2008 presso Palazzo Strozzi a Firenze.

L’incontro è realizzato in collaborazione con la casa editrice bolognese Comma 22, guidata da Daniele Brolli e presente da più di dieci anni sulla scena. Una selezione di tavole illustrate da Palumbo, in vendita, rimarrà in esposizione fino al 22 novembre.

Giuseppe Palumbo (Matera 24/7/64)

Inizia a pubblicare fumetti nel 1986 sulle pagine di riviste come Frigidaire e Cyborg, sulle cui pagine crea il suo personaggio più noto, Ramarro, il primo supereroe masochista. Nel 1992 entra nello staff di Martin Mystère della Sergio Bonelli Editore e nel 2000 in quello di Diabolik della Astorina; per queste due serie popolari disegna numerose storie speciali, tra cui il remake de “Il re del terrore”, numero uno della collana Diabolik. Ha pubblicato in Giappone, Grecia, Spagna e Francia. Dal 2000 coordina il lavoro dello studio Inventario, Invenzioni per l’editoria Bologna; in questa attività ha convogliato il suo lavoro di illustratore e copertinista. Tra le sue pubblicazioni più recenti, “Tomka, il gitano di Guernica”, su testi di Massimo Carlotto, e “Un sogno turco”, su testi di Giancarlo De Cataldo, editi da Rizzoli.
Dal 2005, la casa editrice Comma 22 di Bologna, dedica a Palumbo una collana di volumi aperta da “Diario di un pazzo”, adattamento di un racconto di Lu Xun, e seguita da “CUT Cataclisma”, che raccoglie tutte le storie di Cut prodotte fino al 2006 per la casa editrice giapponese Kodansha, e da “Tosca la mosca”, che contiene tutte le avventure dell’eroina eroticomica; di recente ha pubblicato “Eternartemisia”, realizzato in collaborazione con Palazzo Strozzi Firenze. È docente di disegno e fumetto. È vincitore di numerosi premi in Italia, tra cui lo Yellow Kid, il Bonaventura e l’Attilio Micheluzzi come miglior disegnatore italiano.

I suoi link:
www.giuseppepalumbo.com
www.giuseppepalumbo.blogspot.com
www.palumbo-troglodita.blogspot.com

Ripartiamo con una novità su tutte: il Posto cambia orario!

Dopo innumerevoli richieste prolungheremo infatti l’apertura serale della cucina, dalle 20 alle 23.30, restando invece chiusi a pranzo.

A breve arriverà la nostra prima carrellata di appuntamenti musicali e a brevissimo il nuovo menù trimestrale del nostro chef Gennaro Di Pace.

Vi aspettiamo.

L’arte di Katharina Dieckhoff a sostegno de Gli Amici di Luca per la Casa dei Risvegli Luca De Nigris

Un evento speciale tra arte e beneficienza dove protagoniste saranno le tovaglie d’artista, originali creazioni realizzate attraverso interventi di ricamo e applicazioni dall’artista Katharina Dieckhoff. Per una sera ogni ospite del Posto avrà l’opportunità di diventare un collezionista acquistando la propria tovaglia d’artista con una libera offerta. Il ricavato della cena di beneficienza e delle vendite verrà devoluto a Gli Amici di Luca per la Casa dei Risvegli Luca De Nigris. Le tovaglie d’artista rimarranno in esposizione sulle pareti e sulle tavole del Posto fino al 15 novembre.

Primo appuntamento con gli aperitivi dedicati al mondo del fumetto, durante i quali sarà possibile acquistare libri illustrati a peso. Un’occasione per rifarsi la libreria ma anche per conoscere e vedere all’opera Marina Girardi, autrice giovane e talentuosa, vincitrice nel 2008 del primo premio a Komikazen – Festival del fumetto di realtà con il progetto narrativo illustrato, Kurden People, in seguito pubblicato dalla casa editrice bolognese Comma 22, che ha collaborato nella realizzazione dell’incontro. Una selezione di tavole illustrate dalla Girardi, questo il suo booktrailer, rimarrà in esposizione fino al 12 ottobre.

“Anche se il peggio fosse evitabile, è già terribilmente triste vedere la Cina che rinuncia progressivamente alla sua diversità per diventare sempre di più un paese come tutti gli altri. È triste per moltissimi cinesi ed è triste per certi stranieri come me che, non avendo mai visto la Cina come un grande mercato, ma come una diversa esperieza di civiltà, hanno speso anni a cercare di capirla, finendo per averci una storia che è stata anche una storia d’amore”.

Tiziano Terzani (1998)

Inaugurazione della mostra di Franco Valli e Marta Papini

Diciotto dittici fotografici mettono a confronto la Cina, le città e la sua gente, a distanza di venticinque anni, attraverso gli occhi e le immagini scattate da un turista per caso, Franco Valli (classe ’24), nel 1985, e quelle realizzate da sua nipote, Marta Papini (classe ’85), che ha visitato lo stesso paese nel 2010, trovandolo profondamente cambiato.

Paese nell’occhio del ciclone da almeno un ventennio, la Cina non passa inosservata; piuttosto stupisce, incuriosisce e al tempo stesso, fa paura. Ciò che più di tutto impressiona è la velocità scovolgente della sua crescita economica, che ha portato e tuttora porta con sé un’inevitabile rimescolamento di valori e gerarchie all’interno e ad ogni livello della società cinese.

Le fotografie esposte raccontano la transizione dalla rivoluzione culturale alla modernizzazione, dove l’ammiccamento costante ai modelli occidentali, si riflette nell’architettura, nel commercio, nello stile di vita e nei costumi della popolazione metropolitana, rendendo evidente il contrasto e la contraddizione di questo singolare melange, sviluppatosi nella quotidianità di un paese comunista, seppur con caratteristiche cinesi, dove modernità e conservazione si intrecciano confusamente e pericolosamente. E dove spesso la prima vince sulla seconda. “Xioping ha messo il cielo in terra e la terra in cielo” chiosava Terzani in un saggio del 1998.

Fino al 31 luglio 2010. Ingresso libero.

Inaugurazione della personale del giovane fotografo palermitano Federico Collovà, che sceglie di mostrare, attraverso le immagini, le ferite profonde dell’Aquila terremotata in un luogo – la Zona Rossa – divenuto simbolo della tragedia. Un’energia violenta che non coglie differenze né fa eccezioni: i palazzi del governo e del potere come la chiesa cittadina o l’ospedale diventano edifici espugnabili alla stregua di una qualsiasi semplice abitazione.

Il 6 aprile 2009 il tempo si ferma a L’Aquila e scuote per sempre il suo punto più fragile ed antico, il suo centro storico, da quel giorno ribattezzato univocamente Zona Rossa.

L’Aquila è una città violentata, dove la privacy e l’intimità delle case sono venute meno insieme ai suoi abitanti, dove non esistono più confini e strade.

Il centro storico, inagibile e da mesi disabitato, con il trascorrere dei giorni assume le sembianze di una città fantasma, dove gli unici autorizzati a varcarne le soglie sono gli uomini della Protezione Civile. Estranei. Nelle immagini l’assenza silenziosa della vita e dell’elemento umano evocano tragicamente le vittime e chi dalle case diroccate è stato costretto a fuggire e forse a non tornare.

Gli scatti di Collovà, dove l’uso del bianco e nero serve a marcare il tentativo di descrivere in maniera quanto più autentica ed oggettiva lo scenario postbellico de L’Aquila terremotata, parlano in silenzio di una città lacerata, sfigurata, dove crepe e crolli sono ferite lontane dal rimarginarsi, accentuate dall’uso enfatico e tagliente che il fotografo fa della luce, raggiungendo in questo modo un realismo che imbarazza lo spettatore.

Un silenzio assordante. Davanti a questo silenzio, le fotografie sono contingenti, necessarie. Registrano e cristallizzano la realtà: da un lato la distruzione, dall’altro il desiderio di ricostruzione. Senza propositi o finalità politiche o morali. Le architetture fotografate da Collovà sono nude e tradiscono l’equilibrio precario che ancora le sostiene: icone della tragedia aperte all’interpretazione o ad un’inevitabile strumentalizzazione. La mostra vuole fermarsi un secondo prima e desidera solo far vedere.

Federico Collovà nasce a Palermo nel 1982. Attualmente vive, lavora e studia musica a Bologna. A queste attività affianca da sempre la fotografia intendendola come lo spazio libero, intimo, estremamente personale in cui liberarsi. Una necessità, quella della fotografia, che si esprime attraverso l’utilizzo del bianco e nero classico. Nel 2009 espone nella sua prima personale Analyze Me, insieme al fratello Fabrizio Collovà, una serie di scatti inediti presso la galleria “Lanterna Magica” di Palermo. Con L’Aquila, La Zona Rossa Federico Collovà presenta la sua seconda personale e il suo primo lavoro di stampo reportagistico. I suo lavori sono consultabili sul sito personale www.federicocollova.com.

Guardare mangiare. Il ristorante è luogo di socialità e di piacere, quasi mai ci si va per vera fame. Per questa sua natura è un contenitore privilegiato di umanità, nelle sue più svariate sfaccettature e forme, ognuna con la propria storia. Vissuta, raccontata o semplicemente immaginata.
Le pareti del Posto diventano il supporto sul quale si snoda l’idea di Arianna Vairo e Davide Brace, pensata ed elaborata dopo un periodo di osservazione delle dinamiche interne del ristorante.
Sfruttando le caratteristiche del luogo e la ripartizione in due ambienti adiacenti e della stessa lunghezza, il duo sviluppa ed amplia il racconto in due distinte sezioni.

La prima prende avvio dalla grande tavola illustrata posta sul palco, in posizione dominate, che descrive una scena corale, una sorta di istantanea del ristorante e dei suoi ospiti, colti in un momento casuale e non ben definito. Da questa visione centrale esplodono le tavole più piccole, che mettono a fuoco, con inquadrature e soggettive, gli stessi personaggi visti nel ritratto di gruppo, ora ripresi in un tempo che precede o segue di poco lo svolgimento della scena madre. In questo modo, attraverso l’accostamento continuo e il riordino delle immagini è possibile per il fruitore ricostruire la varietà di digressioni e sequenze, rimandi e collegamenti, iniziando ad entrare nelle singole storyline dei protagonisti. Tutto ciò in modo del tutto soggettivo, ciascun lettore infatti può montare mentalmente il fumetto assecondando una propria versione dei fatti.

Nel secondo ambiente una serie di tavole a fumetti racconta in forma di frammenti narrativi e flashback episodi estratti dalla storia personale di alcuni dei personaggi conosciuti nella prima sala, circostanze non più necessariamente legate alla scena principale. Le singole vicende infatti sono il frutto della penna e della creatività di diversi autori chiamati ad intervenire per l’occasione, ai quali viene accordata la massima libertà narrativa. Unico spunto di partenza è l’immagine di un personaggio. Storyline parallele ed incrociate, in cui si articolano storie e personaggi diversi e in cui non manca il colpo di scena finale. Realtà o finzione?

Le tavole illustrate e a fumetto (rigorosamente originali) sono di Arianna Vairo, milanese, classe 1985. Dopo gli studi artistici realizza illustrazioni e disegni per diverse riviste, per gruppi musicali italiani come Mariposa e Julie’s Haircut, e per il portale musicale Rockit. Collabora con Cabila Edizioni realizzando diverse copertine e il libro illustrato Dove vanno le iguane quando piove. Le sue opere sono state esposte in numerose mostre tra Milano, Bologna, Roma, Genova, Barcellona e Stoccolma. Si sta specializzando nelle tecniche di stampa incisoria collaborando con la stamperia Il Foglio a Milano.

A Davide Brace è affidata la creazione dei personaggi e la sceneggiatura della narrazione nella prima sezione. Ingegnere elettronico (forse pentito, nel dubbio disoccupato). Cantautore, performer e musicista coinvolto in vari progetti. Membro fondatore del collettivo Tafuzzy col quale produce opere artistiche ed organizza eventi. Collaboratore in veste di critico musicale e giornalista di alcune testate web e cartacee. Appassionato di fanzine, fumetti, illustrazioni, tecniche di stampa, street writing.

Insieme hanno selezionato i sei autori che si occuperanno dei racconti nella seconda sezione. A Andrea Scarabelli, Antiniska Pozzi, Diego Fontana, Giovanni Fantasia, Iosonouncane e Valerio Millefoglie sono stati affidati i sei personaggi già delineati sia fisicamente che caratterialmente attraverso le sequenze della prima sezione. Ognuno degli autori dovrà raccontare con un breve scritto chi sono veramente questi personaggi al di fuori del ristorante.

Il cerchio di storie e personaggi sarà chiuso dalle tavole a fumetti di Arianna Vairo che illustreranno questi brevi racconti.

L’evento è inserito nel calendario espositivo Attorno al Festival di BilBOlbul, Festival internazionale di fumetto, giunto quest’anno alla sua quarta edizione (Bologna, 4-7 marzo 2010).

L’evento è inserito nel calendario espositivo Attorno al Festival di BilBOlbul, rassegna internazionale del fumetto.

In occasione di Arte Fiera – Art First Il Posto ospita una personale di Lorenzo Guaia, bolognese, classe 1968, nella quale trovano spazio gli esiti più recenti di un cammino artistico iniziato nel 1995, grazie all’incontro con il pittore bolognese e futuro maestro Antonio Postacchini. Nel 2003 Guaia intraprende un percorso di ricerca formale completamente autonomo che nel tempo si articolerà in due filoni, concepiti e approfonditi separatamente, ma che talvolta dialogano nelle sue tele. Entrambi i progetti rivelano i debiti e le influenze di Guaia, stilistiche e teoriche, appassionato conoscitore e ammiratore di correnti e linguaggi artistici riferibili ai movimenti pop e minimal del secolo scorso.

Il primo filone si sviluppa intorno al tema del paesaggio urbano contemporaneo, dominato da palazzi, acquedotti o complessi industriali abbandonati, riprodotto sulla tela in maniera oggettiva, lineare e realistica, al limite del fotografico. La gamma di colori ridotta al minimo, circoscritta in molti casi alle sfumature neutre del bianco e del grigio intervallate talora da tratti e macchie gialle e verdi, contribuisce a distorcere ed alterare la visione prospettica dell’intera scena, già falsata nelle fotografie, ottenute con grandangolo o teleobiettivo, punto di partenza per la realizzazione di ogni tela.

Il secondo filone utilizza le tecniche del collage di materiali e oggetti e più recentemente il decollage di manifesti pubblicitari per realizzare la base del quadro, che l’artista in un secondo momento rende uniforme ed omogenea verniciandola di bianco. Su questo fondo Guaia disegna oggetti estrapolati dalla vita quotidiana: pianoforti, tavolini da bar, cartelloni pubblicitari e sedie accatastate e chitarre. I contorni neri delle figure, grafici e molto marcati, sottolineano l’essenzialità delle linee e l’isolamento cromatico dell’oggetto rappresentato, percorrendo in questo modo la via della riduzione e semplificazione delle forme.

In entrambi i progetti i materiali utilizzati sono molteplici, spaziando dall’acrilico, allo smalto sintetico, al colore ad olio o al carboncino per i tratti neri disegnati, alla sabbia per le porzioni di pittura più materiche, mentre i supporti variano dalla tela, al legno, dall’alluminio all’acciaio.

I riferimenti stilistici, nonché tecnici ed iconografici, alle correnti pop e minimal sono tangibili nei due percorsi e nei loro esiti. L’utilizzo di un lessico formale semplice, essenziale ed oggettivo, e il cromatismo limitato si combinano infatti con la scelta dei soggetti tratti dall’universo quotidiano e con l’introduzione di tecniche e mezzi non tradizionali quali collage, decollage, fotografia, serialità e ready made, solo per citarne alcuni.

Il Posto ospita la nuova collezione di abiti dell’atelier bolognese Pesci Pneumatici. ZOOM: COME MI VEDI? è l’ultimo prototipo progettato per la primavera 2010, dopo il successo di Puzzle nel 2009, un abito basico stampato e proposto in uno sviluppo di dodici taglie, dalla 22 alla 46, con una vestibilità che va dai due anni fino all’età adulta. L’abito di chiama ZOOM, non solo perché lo sviluppo delle taglie accostate riproduce la forma conica di uno zoom fotografico, ma anche perché le grafiche proposte rendono sia concettualmente, che dimensionalmente, l’idea dello sviluppo ottico, dell’iscrizione di una cosa dentro un’altra, dal grande al piccolo. L’abito è proposto per il momento con un portfolio di sei sviluppi di grafiche: PESCI (dalla sardina al capodoglio), PALLE (da 1 a 20 cm di diametro), MATRIOSKE, IL PESO DELL’ORO (da 1 a 200 grammi), IMBUTI, CLOROFILLA (dalla gemma al frutto). Le grafiche di una stessa serie variano per colore e dimensione, con l’aumentare delle taglie. L’abito viene realizzato e stampato su ordinazione di taglia, colore e grafica.

L’atelier dei Pesci Pneumatici è un’esposizione permanente di opere di sartoria e design provenienti da Marsiglia, Berlino, Barcellona, Lisbona e Buenos Aires, ma anche dai dintorni di Bologna. Uno sguardo trasversale sull’ultima produzione tessile hand-made e sul ricco panorama della creatività internazionale. Ricavato in un’abitazione privata, all’ultimo piano di un antico palazzo del centro di Bologna, un piccolo spazio aperto al pubblico dedicato alla distribuzione (esclusiva per l’Italia) di una ventina di marchi, sconosciuti ma molto promettenti, della sartoria creativa e del design tessile contemporaneo. Luogo di progettazione, confezione e vendita quindi, ma soprattutto di ricerca di nuovi talenti, presentati periodicamente in esposizioni personali e in workshops dedicati al tessile.

Fino al 23 novembre 2009

Il Posto ospita Ramblin’, un’esposizione di fotografie di Matteo Gabella.
La mostra costituisce il tributo del fotografo alle sfuggenti composizioni che la normalità quotidianamente offre ai nostri occhi, con un linguaggio proprio della street photography. La street photography è una modalità di approccio al reale che si svolge nel singolo istante che intercorre tra lo scorgere una situazione e l’immortalarla in una fotografia. Le ambientazioni sono tanto varie quanto lo sono i luoghi visitati e percorsi dal fotografo. Gli scatti non rivelano filo conduttore né consequenzialità, fatta eccezione per lo sguardo dietro l’obiettivo, l’unico vero punto (di vista) fermo, ma allo stesso tempo sempre in movimento.
Gli scatti di Matteo Gabella tradiscono il debito con l’arte cinematografica espressionista, nella sua tendenza a forzare le parole e le immagini in funzione di un’espressività più intensa e profonda. Le immagini, montate su ampi pannelli neri, offrono all’occhio uno squarcio su un mondo a volte ironico, a volte insolito, sempre fortemente evocativo. Queste foto ritraggono luoghi, persone e particolari marginali e dichiarano il loro amore per il mondo mediocre eppur stupefacente, che ognuno di noi può vedere semplicemente girovagando. Ramblin’, appunto.

Matteo Gabella nasce a Bologna nel 1975, dove vive e lavora. Da sempre attratto dall’immagine in ogni sua forma, nel 2001 comincia a muovere i primi passi come fotografo: il suo percorso si è andato formando attraverso diversi stili, dal ritratto alla rappresentazione del non-luogo fisico, sempre mantenendo come filo conduttore una ricerca del particolare decadente o bizzarro. Attualmente la sua predilezione è catturare i frammenti di quotidianità, che intrappola in composizioni quasi irreali, cercando rimandi all’arte cinematografica espressionista verso la quale si ritiene debitore.
Il suo lavoro è raccolto nel sito personale: www.stranigiorni.com

Inaugurazione a partire dalle 18.30.
Ingresso libero.
Fino al 26 novembre.